Intervista a Manuela Marasco | RoccArt Gallery

Il corpo come memoria, fragilità e trasformazione: Manuela Marasco esplora le relazioni umane e le tracce che le esperienze lasciano sulla nostra identità, attraverso figure enigmatiche, anatomie deformate e atmosfere sospese.

Manuela Marasco vive e lavora a San Donaci, in Puglia. Dopo aver studiato Textile and Fashion Design presso IAAD a Torino, ha proseguito la propria formazione con un master in Arti Visive e Moda allo IUAV di Venezia, sviluppando un percorso che intreccia illustrazione, pittura e sperimentazione tessile.

Al centro della sua ricerca si trova il corpo, inteso non soltanto come forma fisica, ma come luogo in cui si depositano memorie, esperienze e relazioni. Le sue figure, spesso caratterizzate da anatomie allungate, proporzioni alterate e posture insolite, si muovono in atmosfere sospese, dove elementi umani, organici e simbolici si incontrano.

Attraverso un segno minuzioso e tonalità spesso cupe e surreali, Manuela esplora temi come la fragilità, la cura, l'identità e la trasformazione, dando forma a quelle tensioni interiori e a quelle tracce emotive che accompagnano l'esperienza umana.

INTERVISTA A MANUELA MARASCO:

Hai raccontato che il disegno ti accompagna fin da quando eri bambina e che, nel tempo, l'arte è diventata un modo per esprimere emozioni e sensazioni. Come si è evoluto il tuo percorso artistico dagli inizi fino a oggi?

Il disegno è entrato nella mia vita fin dall'infanzia, inizialmente attraverso le attività scolastiche, che vivevo con particolare entusiasmo. Alla scuola materna ricordo un'attenzione quasi ossessiva per il colore: cercavo di ottenere campiture il più possibile sature, uniformi e precise, come se ogni spazio dovesse essere riempito con assoluta cura.

Crescendo, il disegno è diventato anche un piccolo gesto d'affetto, un modo per donare qualcosa di personale durante le ricorrenze familiari, spesso accompagnando le immagini con poesie e parole dedicate.

Un approccio più continuativo e consapevole è arrivato durante il primo percorso universitario, attraverso lo studio e la rappresentazione del figurino di moda. È stato proprio lì che la figura umana ha iniziato progressivamente ad allontanarsi dalle proporzioni canoniche: le anatomie si sono allungate, le posture alterate, lasciando emergere un linguaggio meno vincolato alla fedeltà formale e più vicino alla mia sensibilità.

Dopo l'università, avendo il tempo e la libertà di esplorare altri soggetti e ambientazioni, ho potuto ampliare questo immaginario. Il corpo è rimasto centrale, ma ha iniziato a dialogare con spazi, oggetti e atmosfere, a mescolarsi con forme organiche e animalesche, diventando sempre più un mezzo attraverso cui indagare la dimensione emotiva e simbolica dell'esperienza umana.

Guardando al tuo passato e alle esperienze che hai vissuto, pensi che abbiano influenzato il tuo modo di fare arte e la sensibilità che emerge nelle tue opere?

Sì, profondamente. Credo che l'esperienza traumatica, la perdita, la malattia e il tentativo, spesso illusorio, di esercitare un controllo sul caos abbiano contribuito a formare il mio sguardo.

Sono esperienze che modificano il modo di percepire il corpo, il tempo e persino la familiarità delle cose. Forse è anche per questo che mi riconosco maggiormente in immagini attraversate dalla decostruzione, dalla deformazione e da una sorta di brutalità silenziosa.

Non sento necessariamente il bisogno di tradurre il vissuto in una narrazione autobiografica. Mi interessa piuttosto ciò che resta dopo un'esperienza: le alterazioni impercettibili, le fratture, le forme di resistenza. La deformazione, in questo senso, non è un allontanamento dalla realtà, ma talvolta il modo più fedele che conosco per restituirne la complessità emotiva.

Il colore occupa un ruolo centrale nella tua ricerca artistica. Come nasce la scelta delle tonalità e quanto è legata allo stato d'animo del momento in cui realizzi un'opera?

Il colore rappresenta per me una componente emotiva e strutturale dell'immagine. Non interviene semplicemente a definire una superficie, ma contribuisce a determinarne la temperatura psicologica.

Sono particolarmente attratta dalle tonalità fredde, dai violacei ai blu lividi, fino alle diverse gradazioni di grigio, attraverso cui cerco di evocare atmosfere cliniche, asettiche, talvolta quasi ospedaliere. Sono cromie che suggeriscono una vitalità compromessa, una condizione di sospensione tra presenza e deterioramento.

Le tonalità calde, invece, mi permettono di esplorare due dimensioni apparentemente distanti: da una parte l'intimità di ambienti domestici antichi, intrisi di memoria e di tempo sedimentato; dall'altra una carnalità più cruda, fatta di rossi profondi, terre e incarnati che richiamano la carne esposta, la materia organica e persino la dimensione della carcassa.

Il mio stato d'animo può certamente orientare le scelte iniziali, ma durante il processo creativo il colore acquisisce una propria necessità interna. Cerco equilibri e dissonanze capaci di generare tensione, facendo convivere tonalità che sembrano respingersi o contaminarsi. È proprio in queste contraddizioni cromatiche che spesso riconosco l'atmosfera emotiva che desidero restituire.

Nelle tue opere ricorre spesso la figura umana, in particolare il volto. Che cosa ti interessa raccontare attraverso i ritratti e quanto spazio lasci all'interpretazione di chi osserva?

Nel volto mi interessa soprattutto ciò che sfugge alla sua funzione più immediata: rendere riconoscibile un'identità. Sono profondamente attratta dall'estetica del brutto, da tutto ciò che, nel corso della storia, è stato ricondotto alle categorie dello spaventoso, del minaccioso, dell'orrido o del grottesco.

Mi affascinano le asimmetrie, le storture e le alterazioni fisionomiche capaci di introdurre una tensione nell'espressione. Ai miei occhi, queste anomalie non impoveriscono il volto, ma lo rendono più enigmatico, quasi fosse depositario di informazioni indicibili, di qualcosa che si manifesta senza potersi rivelare completamente.

Cerco espressioni ambigue, sguardi che non si incontrano, fisionomie sospese tra vulnerabilità e inquietudine. Mi interessa quella zona di ambivalenza in cui un volto può apparire al tempo stesso familiare ed estraneo, fragile e perturbante.

I miei ritratti non aspirano necessariamente alla somiglianza, ma a una forma di verità emotiva. Per questo considero fondamentale lasciare uno spazio di indeterminatezza: non desidero che l'immagine esaurisca il proprio significato nella mia intenzione iniziale, ma che chi osserva possa abitarla con la propria memoria, le proprie associazioni e persino le proprie contraddizioni.

Ci sono artisti, movimenti o correnti artistiche che hanno influenzato il tuo percorso o ai quali ti senti particolarmente legata?

I primi nomi che mi vengono in mente sono Egon Schiele, Francis Bacon, Anselm Kiefer e Louise Bourgeois. Sono artisti che sento particolarmente vicini alla mia sensibilità, almeno nelle intenzioni, pur attraverso linguaggi e ricerche profondamente differenti.

Fatico invece a riconoscermi nell'idea di appartenenza a una corrente artistica intesa come categoria rigidamente circoscritta a un periodo storico. Pur riconoscendo il valore delle classificazioni storiografiche, preferisco pensare all'arte come a un insieme di sensibilità che possono attraversare epoche e linguaggi, stabilendo corrispondenze anche al di fuori di una continuità cronologica.

Di Schiele mi colpiscono la tensione anatomica e la vulnerabilità esposta del corpo; di Bacon la violenza percettiva della deformazione, capace di restituire una verità che supera la somiglianza. In Kiefer ritrovo il fascino per la materia come deposito di memoria, per le superfici che sembrano custodire il peso del tempo e della storia. Di Bourgeois mi interessa profondamente il modo in cui corpo, memoria, trauma e relazione diventano un unico territorio simbolico.

Non li considero modelli da riprodurre, ma presenze significative nel mio immaginario. Allo stesso modo, non credo che un'opera debba necessariamente custodire un messaggio univoco, predisposto dall'artista affinché venga compreso o decifrato correttamente. Mi interessa piuttosto la sua capacità di generare risonanze, anche contraddittorie, che possano sfuggire alle intenzioni di chi l'ha realizzata.

In fondo, ciò che riconosco in queste ricerche è proprio il rifiuto di addomesticare la complessità dell'esperienza umana, o di ridurla a un significato rassicurante e definitivamente interpretabile.

Nella serie che hai presentato a PRESENZE emerge con forza il tema della sofferenza. È una dimensione che senti vicina e che pensi continuerà ad accompagnare la tua ricerca, oppure immagini che con il tempo potresti esplorare anche altri stati d'animo ed emozioni?

La sofferenza attraversa certamente questa serie, ma non credo ne costituisca l'unico nucleo. Mi interessa soprattutto osservare ciò che accade all'essere umano quando viene attraversato da un'esperienza capace di modificarlo.

In Ti tengo io la fragilità convive con la fatica della cura; in Membrana il legame diventa un innesto che nutre e trasforma, ma rende anche dolorosa la separazione; in La piega del tempo il corpo si consuma mentre il gesto continua a custodire la memoria.

Sono immagini in cui il dolore non esclude l'amorevolezza, la resistenza o la possibilità di generare qualcosa di nuovo.

Non vorrei che la sofferenza diventasse una condizione necessaria della mia ricerca. Mi interessa piuttosto esplorare gli stati di trasformazione dell'identità, anche attraverso emozioni apparentemente opposte. Credo che la tenerezza, il desiderio, la nostalgia e persino il piacere possano possedere una complessità altrettanto perturbante.

Nelle tue opere il corpo è spesso rappresentato attraverso anatomie allungate, proporzioni alterate e posture insolite. Quando hai iniziato a utilizzare la deformazione della figura umana come linguaggio espressivo? Che cosa ti permette di raccontare che una rappresentazione più realistica non riuscirebbe a esprimere?

La deformazione è emersa progressivamente, nel momento in cui ho iniziato a percepire i limiti di un'anatomia rigorosamente realistica rispetto a ciò che desideravo esprimere.

Il corpo, per me, non è soltanto una struttura biologica, ma una superficie di iscrizione dell'esperienza. Può allungarsi sotto il peso di una responsabilità, incurvarsi nella fatica, svuotarsi fino ad assumere la consistenza di una corteccia, oppure fondersi con un altro corpo fino a rendere incerti i confini individuali.

In Ti tengo io, per esempio, la sproporzione rende visibile il peso della cura. In La piega del tempo, invece, la materia corporea sembra consumarsi mentre sopravvive l'ostinazione del gesto quotidiano.

La deformazione mi permette di conferire una consistenza fisica a ciò che normalmente rimane invisibile. Non la considero una negazione del reale, né una sua semplice esasperazione, ma piuttosto l'emersione di un secondo strato di realtà, altrettanto presente e tangibile, sebbene sottratto alla percezione immediata. Una dimensione che coesiste con la rappresentazione fedele di un volto, quasi fotografica, e che ne rivela una complessità ulteriore, non necessariamente accessibile attraverso la sola somiglianza.

Accanto alla tua attività artistica sei impegnata anche in ambito sociale e nella conduzione di laboratori creativi rivolti a persone con fragilità psichiche. In che modo questa esperienza influenza il tuo modo di osservare l'essere umano e si riflette, direttamente o indirettamente, nella tua ricerca artistica?

Esiste certamente un legame, ma credo che si manifesti soprattutto sul piano umano e concettuale, prima ancora che su quello espressivo o materico.

Nei laboratori propongo percorsi che coinvolgono tecniche, consistenze e materiali differenti, spesso insoliti. Non mi interessa la produzione di un semplice manufatto fine a se stesso, ma la costruzione di una pratica creativa che possa continuare a stimolare il pensiero, l'immaginazione e il desiderio di fare anche al di fuori delle ore laboratoriali, come è accaduto, per più persone, nella creazione del proprio libro tessile botanico.

Trovo profondamente arricchente osservare come, quando la mente si posa sul presente e sul gesto, possano emergere visioni, composizioni e accostamenti cromatici del tutto personali. In questo processo riconosco un potenziale anche terapeutico: la possibilità di sperimentare una forma di libertà, di riconoscersi capaci di generare un oggetto mediante un processo e di attribuirgli un valore proprio.

Credo profondamente nelle risorse delle persone che hanno attraversato esperienze difficili. Mi commuove e mi dà gratitudine assistere alla trasformazione di una vitalità talvolta affaticata, ma ancora presente, in autonomia, soddisfazione e desiderio. È una dimensione che riconosco anche negli scambi che nascono durante i laboratori, attraverso l'aiuto reciproco, l'ascolto e il rispetto delle fragilità individuali.

È soprattutto qui che ritrovo una corrispondenza con la mia ricerca artistica: nell'idea che la vulnerabilità non escluda la capacità di sostenere, generare e trasformare. Mantengo tuttavia distinti i due ambiti. Il laboratorio appartiene innanzitutto alle persone che lo abitano ed è uno spazio di espressione, relazione e autodeterminazione, non un luogo da cui attingere esperienze personali da tradurre nelle mie opere.

La tua partecipazione a PRESENZE si inserisce in un percorso espositivo che mette in dialogo linguaggi e sensibilità differenti. Che significato attribuisci al tema della presenza in relazione al tuo lavoro? Ti riconosci nell'idea che il corpo possa custodire le tracce delle esperienze e delle relazioni che ci hanno trasformato?

Mi riconosco profondamente in questa idea, anche se per me il concetto di presenza ha confini estremamente labili. Non coincide necessariamente con l'integrità di un corpo, con la sua permanenza fisica o persino con la sua esistenza in vita. Una presenza può manifestarsi attraverso un'assenza, così come qualcosa di apparentemente vivo può già custodire in sé una dimensione mortifera.

In La piega del tempo, per esempio, la sedia vuota sembra ancora predisposta ad accogliere e sostenere un corpo che non c'è più. È un oggetto concreto che continua a conservare la forma di una relazione, rendendo quasi tangibile ciò che è venuto a mancare.

In Frida, dopo i fiori, invece, immagino una presenza che persiste oltre la morte. In un tempo presumibilmente ultraterreno, Frida indossa un abito che richiama la forma di una rosa del deserto, mentre sul capo conserva i fiori con cui era solita adornarsi. Quegli stessi fiori che, davanti allo specchio, contribuivano a costruire un'immagine di vitalità e bellezza anche quando il dolore ne attraversava e spezzava il corpo. Ciò che un tempo serviva a sostenere la propria immagine di sé diventa, oltre la vita, parte di una nuova anatomia.

Credo che le presenze non abitino necessariamente lo spazio accanto a noi: possono risiedere dentro di noi, nella memoria, nei gesti e nei meccanismi mentali che le relazioni producono. Viceversa, si può condividere uno spazio fisico senza riuscire minimamente a percepire la presenza di qualcuno.

In fondo, ciò che più mi interessa della presenza è la sua capacità di lasciare una traccia, non soltanto come testimonianza di un'esistenza, ma anche come persistenza di qualcosa che è stato trasmesso. Può essere una forma di cura, di fiducia, di compassione, ma anche una ferita o un peso che continua ad agire nel tempo, persino quando ciò che l'ha generato non è più lì.

Guardando al futuro, quali direzioni vorresti esplorare nella tua ricerca? Ci sono tecniche, materiali o temi che senti il desiderio di approfondire e che potrebbero portare il tuo linguaggio artistico verso nuove possibilità?

Mi piacerebbe approfondire ulteriormente il rapporto tra corpo, materia e metamorfosi, cercando di portare alcune delle tensioni presenti nelle mie illustrazioni verso una dimensione sempre più fisica e tangibile.

L'illustrazione digitale rimane un linguaggio importante per me, ma da qualche mese ho iniziato ad avvicinarmi alla pittura acrilica su tela, sperimentando un rapporto più diretto con il colore, la superficie e la materia. Sento il desiderio di approfondire questa pratica, esplorando anche superfici stratificate, materiali tessili e contaminazioni tra tecniche differenti.

Mi incuriosisce particolarmente la possibilità di spingermi oltre la bidimensionalità, verso forme tridimensionali e scultoree, in cui il corpo e le sue deformazioni possano acquisire una presenza concreta nello spazio. Mi affascinano soprattutto i materiali poveri, spesso impiegati nell'edilizia e nelle strutture più nascoste degli ambienti domestici: elementi generalmente destinati a sostenere, isolare, rivestire o tenere insieme, la cui identità sembra coincidere interamente con la loro funzione.

Vorrei sottrarli a questa destinazione d'uso, indagando ciò che possono raccontare una volta decontestualizzati. Per me è fondamentale che nulla sia puramente decorativo: desidero che ogni materiale abbia una necessità espressiva, che possa rivelare qualcosa di sé che il suo impiego quotidiano non gli ha ancora permesso di dire.

Mi interessa il confine tra figura e oggetto, tra organismo e struttura, tra ciò che appare integro e ciò che rivela la propria rottura. Vorrei esplorare la possibilità che l'immagine non si limiti a rappresentare la materia, ma arrivi a possederne direttamente il peso, la consistenza e la vulnerabilità.

Non immagino questa evoluzione come un abbandono dei linguaggi precedenti, ma come un ampliamento delle loro possibilità. Vorrei continuare a lasciare che siano le necessità espressive, più che la fedeltà a una tecnica, a orientare il mio lavoro.

Per concludere, perché una persona dovrebbe scegliere di acquistare una tua opera? Che cosa vorresti che un collezionista riconoscesse nel tuo lavoro e perché ritieni che valga la pena investire nel tuo percorso artistico?

Non credo che un'opera debba essere acquistata soltanto perché è piacevole da guardare. Mi piacerebbe che qualcuno scegliesse un mio lavoro perché vi riconosce qualcosa che gli risuona dentro. Trovo interessante pensare che un'immagine nata da un mio pensiero possa trovare posto nello spazio quotidiano di qualcun altro, assumendo un valore che non dipende più soltanto da me.

Per me il valore di un'opera sta anche nella sua capacità di continuare a suscitare domande e sensazioni nel tempo. Non saprei dire perché qualcuno dovrebbe acquistare proprio una mia opera, né credo spetti a me stabilirlo. Mi basterebbe sapere che quella scelta nasce da un incontro che, in qualche modo, ha lasciato qualcosa.

VEDI PAGINA DI MANUELA MARASCO: